By danielzapater@gmail.com

Fotografia: Museu Picasso de Barcelona

Dibujando la Barcelona más creativa

Seguramente hablo desde mi punto de vista, pero siempre he tenido la impresión de que, una vez nos convertimos en adultos, se nos cortan las alas de la creatividad. Ya sea la música, el dibujo, la danza o el teatro, son disciplinas que quedan relegadas a Primaria y Secundaria y, poco a poco, las olvidamos. Y es quizá en momentos muy concretos, como una performance participativa en la calle o en la sala del Museu de la Música con instrumentos para tocar libremente, que volvemos a aquella creatividad y libertad de nuestra niñez y adolescencia.

El Barcelona Dibuixa, que tiene lugar cada octubre, es un gran ejemplo. En una gran fiesta del dibujo de Barcelona, en la que imaginamos que el público infantil y familiar será el que más predomine, sorprende mucho ver la gran cantidad de público senior que participa activamente, como es el caso de los Urban Sketchers.

Javier Montesol ahir amb La batalla de la batalla. / CRISTINA CALDERER
Javier Montesol con su particular creación La batalla de la batalla. / CRISTINA CALDERER / Diari ARA

Más allá de este hecho, el Barcelona Dibuixa es una gran oportunidad de vivir en familia el arte del trazado. Y no sólo por esta razón, sinó también porque las decenas de artistas que participan van más allá del lápiz y del papel, para convertir varios materiales en platos picasianos, máscaras personalizadas (de la mano del artista Jordi Duró), películas co-creadas (gran idea de la Associación Nadir) o grandes murales, como la interpretación de “la Batalla de Tetuán” de Fortuny hecha por el artista Javier Montesol.

Preparaos para futuras convocatorias del Barcelona Dibuixa y, tal como pregonaba Pablo Picasso, ¡no dejéis de pintar con el espíritu de un niño!

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4 ideas para crear una expo online

Las exposiciones en línea representan un recurso muy valioso para los museos, ya que permiten romper con la fugacidad de las exposiciones temporales y mantener vivos los contenidos que se han generado. Con estas palabras da comienzo el artículo “Del Java a Google. Exposiciones online y museos, una pareja de hecho” que hemos presentado en la revista de museología Mnemòsine, de la Associació de Museòlegs de Catalunya. Os hacemos un breve resumen a través de 4 ideas fundamentales para plantear una exposición virtual en tu museo. 

Trabaja una arquitectura ideal

Al visitar una exposición física, todos sabemos que el discurso y la organización del espacio i de las obras resulta esencial para que el visitante se lleve una buena impresión. De esta forma se encuentran los usuarios que acceden a una exposición virtual: la selección correcta de namings, la organización de los menús y de los elementos de ayuda y la jerarquización de ideas son el fundamentales en un espacio online.

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Haz tu propio estudio de Benchmarking

Congresos, workshops o el propio Google son una fuente inagotable de descubrimiento de proyectos inspiradores basados ​​en exposiciones online. Picasso siempre decía que “los grandes artistas copian, los genios roban“, así que no hay excusa para inspirarse (sin copiar, claro). Seguro que te aparecerán como ejemplos la Frick Collection, la exposición Mondrian & De Stijl del Gemeente Museum Den Haag o la muestra Gilabertus, del Museo Episcopal de Vic.

Un puñado de Storytelling

Si de un aspecto van sobrados los museos, este son los contenidos: fotografías, documentos, obra original y material bibliográfico a raudales. El reto siempre es el mismo: saber elegir qué elementos son los idóneos, digitalizarlos y darles un hilo conductor que atraiga al usuario. O lo que es lo mismo, si quieres, aplicar técnicas del llamado Storytelling. Y un consejo: no publiques punto por punto los mismos contenidos que has presentado en la exposición física. No servirá de nada en un espacio virtual, en el que el usuario puede estar visitándolo desde el metro, en la cama antes de acostarse o mientras come su tupperware en la oficina.

No te equivoques de plataforma

Aunque siempre podemos migrar los contenidos a otra plataforma, resulta más eficiente (y rentable, claro) fijarse en las necesidades que tendrá nuestra expo virtual. ¿Qué capacidad de almacenamiento? ¿Queremos un backoffice usable para introducir contenidos regularmente? ¿O mejor utilizar un espacio gratuito? Según vayas respondiendo a estas cuestiones, te irán apareciendo plataformas como el archiconocido WordPress y su primo hermano Drupal; ¿pero por qué no probar en Google Arts & Culture? Bien es cierto que no resulta gratuito del todo, porque el gigante Google te lo hará pagar en especies (derechos de autoría), pero la visibilidad y la difusión del tus colecciones pueden resultar clave.

Si te has quedado con ganas de más ideas y casos de éxito, ¡echa un vistazo al artículo completo!

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Reinterpretando la historia del arte en las redes sociales

La ya conocida fotografía de Gijsbert van der Wal con estudiantes adolescentes embobados ante la pintura de la Guardia de Noche de Rembrandt, causó furor en Twitter. Meses después, muchos usuarios aún no han descubierto que, en realidad, se trataba de una actividad didáctica del museo en la que se utilizaba la app móvil de la institución. Pero más allá de esta anécdota, ¿cómo podemos hacer llegar el arte a los adolescentes y al público millennial? Presentamos dos propuestas en las redes que pueden abrir camino.

Cine, historia del arte y reguetón

Un diseñador gráfico japonés, Shusaku Takaoka, reinterpreta los highlights del cine, el mundo de los dibujos animados y las obras de arte más icónicas para presentar nuevas creaciones. Mientras tanto, la cuenta de Tumblr El Arte Pop une dos facetas artísticas: las principales pinturas de la historia del arte y las letras y títulos de canciones pop, reguetón o rock. Dos cuentas en plataformas sociales que pueden parecer simples curiosidades, pero que sintetizan diversas facetas artísticas. ¿Por qué no introducirlo en las clases de historia del arte de secundaria?

@BerniniRocks vs @FcoBorromini

Si a la historia de la rivalidad que esculpió media ciudad de Roma, le damos un portátil, una cuenta de Twitter y unas buenas dosis de creatividad, nos aparecen las cuentas de Bernini 2.0. Borromini2.0. Desconozco quién está detrás, pero es un crack. Y debería convertirse en profesor de secundaria o community manager del Prado. Ambos artistas presentan sus creaciones de manera peculiar pero cercana en lenguaje y tono. Comentan la actualidad del patrimonio cultural, interactúan y discuten con una buena base argumental. Espectacular hilo de Twitter el que viene a continuación…

¿Cómo deberían actuar los museos?

Las que hemos presentado hoy son iniciativas de usuarios privados. Pero pasarlo al mundo de las instituciones, es otra cosa, ya que requiere una estrategia, un presupuesto y, especialmente, que se apueste por la iniciativa. Y puede conllevar dolores de cabeza: tal como apuntaba Nacho Granero en su  blog La Cultura Social al hablar de los videoclips de Sidonie y Beyoncé, participar en este tipo de acciones comunicativas puede suponer una muy buena carta de presentación para los museos. Eso sí, siempre que se haga desde el respeto y sin desvirtuar la obra de arte.

En el caso del arte y las redes sociales, la permisividad es quizás otra. Aún así, se pueden llevar a cabo iniciativas desenfadadas que combinen el lenguaje de los adolescentes -y no tan adolescentes- con pinturas barrocas, esculturas íberas o manuscritos medievales. El caso de éxito más conocido lleva ya siete años en danza. Se trata de los museum mascots del Museo de la Evolución de Burgos, Lucy y Miguelón: una Australopithecus afarensis y un Homo Pre Neandertal que hacen las delicias de los tuiteros entre humor, rigurosidad de los contenidos y empatía. Visto el éxito de los dos homínidos, ¿por qué no han seguido esta línea otros museos? Quizás el hecho de llamar a la puerta del community de Bernini 2.0. o Nostresinyó -la versión románica y catalana- le daría un nuevo aire a las cuentas más institucionales del país.

Para ir cogiendo ideas, os dejamos con una lista de Museum Mascots de instituciones que ya han incluido, con más o menos gracia, personajes y mascotas en su estrategia digital. ¡Que aproveche!

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3 poetas visuales que te harán cavilar

Cogemos una letra. Le añadimos una imagen. Mezclamos bien. Preparamos un «shakerato», que dirían los italianos. Pensamos en un mensaje. O en más de uno. El dejamos a la vista de todos.

El proceso creativo de un poeta visual de la talla de Joan Brossa, Chema Madoz o Gustavo Vega puede parecer un camino fácil de recorrer, pero detrás hay horas de trabajo, de bocetos y de ideas que van y vienen. Al final del camino, la gran recompensa: el espectador hace suyo el poema visual, la admira o lo rechaza, pero le hará reflexionar. Hoy hemos querido hacer una selección de tres poetas visuales y tres poesías que nos han hecho darle vueltas a la cabeza.

Chema Madoz

Fotógrafo con mirada de poeta, Joan Brossa dijo en 1995 que «han tenido que pasar 70 años para conocer mi hermano». Y no es casualidad. Madoz bebe de los objetos y metáforas de Brossa y lo potencia a través del blanco y negro de su mirada fotográfica. Y todo ello utilizando únicamente la luz natural de su estudio, sin artificios ni filtros. Si tuviéramos que elegir una de sus creaciones, tal vez sería «Birrete», por la potencia y actualidad del mensaje que se esconde detrás.

Birrete - Chema Madoz
Birrete – Chema Madoz

Jordi Larroch

En una conversa informal,ens comentava que el Chema Madoz s’havia quedat sorprès per la seva poesia visual i li havia recomanat de fotografiar-ho tot en blanc i negre. I així ho ha continuat fent. Les seves creacions visuals i poètiques han anat madurant amb el temps. A més, sembla que s’ho passa genial creant. La partida ens té el cor robat per la seva subtilesa i el contrast de textures i forces.

En una conversación informal,  Jordi Larroch nos comentaba que el Chema Madoz se había quedado sorprendido por su poesía visual y le había recomendado de fotografiarlo todo en blanco y negro. Y así lo ha continuado haciendo. Sus creaciones visuales y poéticas han ido madurando con el tiempo. Además, parece que se lo pasa genial creando. «La partida» nos ha robado el corazón por su sutileza y el contraste de texturas y fuerzas.

La partida - Jordi Larroch
La partida – Jordi Larroch

Javier Jaén

No és casualitat que el The New Yorker hagi incorporat les seves creacions en portada. I és que beu de tota la tradició poètica visual, hi incorpora grans dosis de creativitat, gotes d’acidesa i una pàtina d’actualitat. Ens quedem amb aquesta creació visual per al New York Times Magazine per il·lustrar un article sobre el problema de la veritat a les xarxes socials. Ja tardes en seguir-lo al seu perfil d’Instagram!

No es casualidad que The New Yorker haya incorporado sus creaciones en portada. Y es que Javier Jaén bebe de toda la tradición poética visual, incorpora grandes dosis de creatividad, gotas de acidez y una pizca de actualidad. Nos quedamos con creación visual «LI_E»para el New York Times Magazine para ilustrar un artículo sobre el problema de la verdad en las redes sociales. ¡Ya tardas en seguirle en su perfil de Instagram!

Li e - Javier Jaén
Li e – Javier Jaén

 

Museu de les arts escèniques de Barcelona

5 razones para realojar el Museo de las Artes Escénicas

El antiguo Teatre Arnau, la Casa de la Prensa e incluso Reus han sonado como sede del Museo de las Artes Escénicas. ¿Pero por qué no existe un espacio con cara y ojos para alojarlo? O mejor aún, ¿por qué debería salir a escena este nuevo espacio cultural? De momento el Instituto del Teatro ha dedicado un pequeña exposición para lucir algunas de las piezas más destacadas del Centro de Documentación. Después de tener el gusto de visitarlo y conocer el equipo que trabaja, os damos 5 razones.

Un fondo de impacto

“La Xirgu” y sus vestidos no son los únicos protagonistas del fondo del Centro de Documentación y Museo de las Artes escénicas (MAE). Pequeñas joyas como carteles de Joan Miró y Rusiñol, una colección de magia comprada por Joan Brossa en el mercado dels Encants, el archivo completo de la Fura dels Baus y más de 74.380 digitalizaciones (las puedes consultar en su colección en línea).

Un patrimonio muy próximo

Desde las primeras escenas de la historia del teatro, el público, la ciudadanía, la gente ha sido siempre el actor principal. Por este motivo, resulta fácil que los futuros visitantes se reconozcan en carteles, vestuarios, atrezos u otros elementos teatrales.

Museu Arts Escèniques

Montjuïc y el Paralelo, escenario ideal

Con la llegada de la industrialización y de las necesidades de ocio de las masas de obreros que inudaban Barcelona a finales del XIX y principios del XX, el Paralelo se convirtió en la arteria cultural, teatral y escénica de forma indiscutible. Nos lo recordaba la exposición del CCCB de 2012 y el plan de actuación del Ayuntamiento de Barcelona del 2014 (que, por cierto, nunca se llevó a cabo).

El Paral·lel cap al 1905 - Wikimedia Commons
El Paralelo hacia 1905 – Wikimedia Commons

La energía del equipo humano

No sólo la dedicación de las especialistas y la directora del MAE aportan la energía y dedicación que necesita una colección tan grande y diversa, sino también su visión y mentalidad abierta: desde el proyecto permanente con Wikipedia para dar libre acceso a los fondos, pasando por encuentros con bloggers e iniciativas participativas como el Te’n recordes? de 2016.

Un largo recorrido

En 1923 el Museo fue adscrito a la Escola Catalana d’Art Dramàtic. Desde entonces ha ido viajando de un lugar a otro: la Casa de la Misericordia, el Palau Güell… ¿Ha llegado el momento de darle un espacio digno y rodeado del ambiente teatral que respira Barcelona?

El Plan de Museos de 2017 no ha contemplado este equipamiento y quizás deberá ser del Ayuntamiento de Barcelona el promotor que levante, finalmente, el telón del nuevo Museo de las Artes Escénicas.